¿Quieres saber cómo el compositor de cine Hans Zimmer crea música original e ideas musicales para largometrajes? De Hombre de la lluvia a Comienzo Para la trilogía Dark Knight de Christopher Nolan, Zimmer es uno de los compositores más ocupados de Hollywood. Un veterano del negocio de la música, Zimmer ha compuesto algunas de las películas musicales más conocidas de nuestro tiempo.

En 1995, Zimmer ganó el Premio de la Academia a la Mejor Música Original en 1995 por El rey León . (¿Cuántas veces te has sorprendido tarareando Circle of Life de El rey León ?) Desde entonces ha ganado muchos más premios de la Academia, entre otros innumerables premios.

Hasta la fecha, Zimmer ha compuesto más de 150 películas, lo que lo convierte en uno de los mayores expertos del mundo en la escritura de bandas sonoras de películas.

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Desde la colaboración hasta la puntuación, Hans Zimmer te enseña cómo contar una historia con música en 31 lecciones en video exclusivas.

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¿Qué es la banda sonora de una película?

La banda sonora de una película es una pieza musical original escrita que acompaña a las imágenes de una película. Varios otros medios, como los videojuegos, también pueden incluir partituras.

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Temas como preguntas y respuestas

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13 consejos de Hans Zimmer para la puntuación de películas

La composición de películas es un trabajo duro. Hay muchos elementos que entran en la composición musical de una película, desde escribir la música en sí hasta la orquestación, los efectos de sonido y el trabajo con el supervisor de música para asegurar que cada pieza musical sirva con precisión a la visión final de la película.

La teoría musical también juega un papel. Al escribir música para la banda sonora de una película, Zimmer comienza pensando en un tema como una conversación o como un conjunto de preguntas y respuestas.

Para probar esto usted mismo, busque una escena que le guste en una película y cree una partitura original configurando un motivo de preguntas y respuestas. Piensa en el hecho de que sabes cómo termina la escena antes que la audiencia, y establece una pregunta al principio sabiendo cómo terminará la escena. Escriba una pista que resalte esas preguntas y respóndalas.

Ese es solo un consejo de Zimmer sobre cómo escribir bandas sonoras de películas. Aquí hay 13 más, directamente del propio maestro.

1. Elija una clave de tema . En primer lugar, debe elegir una clave y ceñirse a ella. Zimmer adopta este enfoque y rara vez utiliza muchos cambios clave. Menciona que le gusta escribir en D, lo que le da la base sólida y la libertad que necesita para crear un tema original. Elija una tecla que le dé espacio para expresar una amplia gama de emociones.

2. Contar una historia . Tu trabajo como compositor es contar una historia; Cíñete a la historia y nunca la abandones. Desarrollarás una partitura que conviva elegantemente con las imágenes y las palabras, y colorea el mundo que crea el director. Para hacer esto, debes vivir en el mundo de la historia. Piense en los personajes principales de la película y su viaje. ¿Qué te dice su historia sobre la condición humana?

3. Aprenda las reglas de la historia . Para comenzar a vivir en el mundo de la historia, aprenda las reglas de la misma de su director. Trabajar dentro de estas reglas es como jugar a un juego. Las reglas te ayudan a evitar llegar a una combinación de diferentes colores de Play-Doh. Solo una vez que haya establecido un marco sólido de reglas para usted mismo, podrá comenzar a romper esas reglas para agregar un poco de frescura.

4. No se ponga demasiado técnico de inmediato . Las películas no las hace un comité. Su deber es seguir el ejemplo del director y crear una visión musical compartida. Si se lanza a hablar de música de manera específica o incluso técnica, es posible que se pierda un subtexto importante que informa la intención del director. Zimmer tiene el hábito de iniciar conversaciones con los directores lo antes posible y permitir que esa conversación informe cómo la música dará forma a la historia. Evite tener esas conversaciones de realidad que matan la imaginación y guárdelas para el productor.

5. Empiece a escribir lo antes posible . A Zimmer le gusta escribir música lo antes posible, incluso antes de que comience la filmación, para ayudar a influir en la dirección del set. Evita la música temporal porque puede encasillarlo en algo que limita su libertad y creatividad. El entorno más efectivo existe cuando todos en el set trabajan para servir la historia y usan sus voces (y talentos) individuales para hacerlo. Confíe en los instintos de sus colaboradores y ayude a influir en su creatividad dándoles su música desde el principio del proceso.

6. Mantenga un diario de música . Zimmer lleva un diario musical en el que escribe y captura sus ideas día a día. No edita trabajos anteriores, sino que sigue adelante y continúa desarrollando ciertas ideas para encontrar los temas y estilos adecuados para la película. Para llevar un diario de música, comience a escribir, incluso si no cree que funcione. Siempre puedes dejarlo fuera de tu puntuación. No vuelva atrás y edite su propio trabajo. ¡Seguir escribiendo! Es posible que descubra que una pieza vieja y sin tocar funciona mejor para una sección diferente de la película. No se preocupe por las transiciones entre piezas; todavía no está creando una puntuación completa. También puedes jugar con tempos en tu diario.

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Hans Zimmer: imagina a tu audiencia

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7. Escribe para Doris . Encuentra tu Doris. Zimmer ha creado una persona para la que escribe. Esto le ayuda a cimentar su enfoque para asegurarse de que le está dando a su audiencia un escape, una experiencia que ella no tendría en su vida diaria. Escribe para Doris y luego prueba la puntuación frente a una audiencia para ver si has logrado el escape que están buscando.

8. Crear una paleta de sonidos . Las paletas de sonido se utilizan para diseñar el mundo de la película y darles atmósferas únicas. Zimmer considera la música y la imagen como complementos entre sí e intenta crear paletas de sonido que coexistan con el enfoque del director de fotografía para contar la historia. También cree que todo compositor debería estudiar la luz, el color y la edición para ayudar con la construcción del mundo. Dice que es importante configurar la paleta de sonidos al principio de la película, para informar
e invite a la audiencia en el viaje al mundo que sus sonidos ayudan a construir.

9. Lleve al público a un viaje, pero no lo tome por ellos . Sepa también cuándo evitar Mickey Mousing: no siempre haga el corte. Al hacerlo, puede brindarle a la audiencia demasiada información sobre la emoción que deben sentir, lo que los aleja del viaje. Llévelos en el viaje con usted, no se lo lleve. Y si la historia es complicada, aproveche la música para entretenerlos y ayudarlos a contar la historia. Zimmer a menudo habla sobre su enfoque para anotar Black Hawk Down y permitir que la puntuación llegue a la acción un cuadro antes de la acción en la pantalla. Esto crea una sensación de tensión, la idea de un evento que surge de la nada. Mire la película y piense en la diferencia de sentimiento y emoción si se hubiera acercado a ella golpeando la acción y golpeando los cortes.

10. Escribe para los mejores sistemas de sonido . Zimmer anima a los estudiantes a escribir para tener la mejor experiencia cinematográfica posible. Sus partituras se reproducirán en muchos entornos diferentes con calidad de sonido variable, pero debe escribir para el
mejores sistemas de sonido posibles.

11. Encuentra el tempo adecuado . Encontrar el tempo correcto puede ser intuitivo en este punto de la carrera de Zimmer, pero no es así para todos. Su editor será su guía a medida que se reduzca el tempo que mejor se adapte a la escena en cuestión. Utilice la edición como batería para su partitura y determine un BPM a partir del cual construir su partitura que coexista con la edición. Zimmer comenzará a componer configurando un metrónomo. El clic es constante, confiable y sirve como cuadrícula a medida que traza el ritmo del drama. Zimmer solía mirar una escena, luego encender la imagen para escribir y volver a encenderla para ver si su composición y la escena coincidían. Ahora, puede identificar bpms comunes. Él menciona que 80 BPM es un gran punto de partida, ya que es seductor pero encaja fácilmente con escenas de ritmo más rápido. 60 BPM es un poco más lento y más fácil de profundizar, mientras que 140 es un poco más enérgico y dinámico.

12. Sea particular con sus músicos . Es su trabajo como compositor escribir sobre las fortalezas de los músicos con los que está trabajando y las fortalezas de sus instrumentos. Escribe con jugadores específicos en mente, de modo que no te encuentres trabajando con un jugador que no pueda ejecutar tu visión. Encuentre a aquellos colaboradores que encontrarán una solución en lugar de inventar excusas de por qué no pueden crear un determinado sonido. Al final del día, Zimmer cree que quieres lograr lo que él llama auténtica pasión, y quieres trabajar con músicos que tomen la melodía que escribiste y le prenderán fuego.

13. Las revisiones deben ser una colaboración . Zimmer nos dice que las revisiones deben ser una conversación entre el compositor y el director, en lugar de dar comentarios y notas. Es una colaboración, cuyo objetivo es intentar encontrar y escribir la mejor música para la historia.

Las revisiones ocurren al principio del proceso. Durante el proceso del diario, Zimmer está descubriendo su camino hacia la partitura y revisando su intención a medida que se vuelve más preciso sobre las reglas de su partitura. Consuélate sabiendo que incluso para Zimmer, mostrar su música al director es una experiencia emocionalmente dura, y se vuelve frágil en el proceso. Muéstralo primero a tu editor de música o colaborador clave y haz una pregunta muy simple: ¿Es una mierda?

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Cuando se trata de componer temas musicales, cualquier cosa, desde los personajes hasta el escenario, puede servir de inspiración. El galardonado compositor Hans Zimmer comienza con la historia de fondo de un personaje y se construye a partir de ahí. En la MasterClass de Zimmer, encontrará los fundamentos de la composición musical, como crear paletas de sonido, trabajar con sintetizadores y comprender el tempo en relación con el ritmo, para crear sus propias bandas sonoras memorables.

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