Si está buscando una carrera escribiendo música y orquestación, hay muchas oportunidades en el ámbito de la música de videojuegos. Un compositor de videojuegos trabaja en colaboración con los desarrolladores de juegos para crear bandas sonoras de videojuegos, compuestas por música temática e incidental que es audible durante todo el juego.
Lo crea o no, algunas de las grabaciones más famosas de la historia fueron realizadas por personas que estaban viendo la música por primera vez. A mediados del siglo XX, conjuntos de estudio profesionales como The Wrecking Crew y The Funk Brothers preparaban pistas para los 40 éxitos principales a pesar de apenas estar familiarizados con las canciones que estaban interpretando. En los estudios de cine de Hollywood, las orquestas profesionales a menudo siguen las pistas de la partitura de las películas en una sola toma. ¿Cómo es esto posible? Porque estos músicos son maestros de la lectura a primera vista.
Antes de sumergirse en el dominio de la técnica de la baqueta, desde los rudimentos de la batería en la almohadilla de práctica hasta las sesiones de improvisación con otros músicos, querrá reforzar el tipo de agarre que utiliza para sujetar las baquetas.
El arte de escribir canciones combina muchas habilidades. En términos de música, un compositor o un equipo de compositores debe abordar la estructura, melodía, armonía, ritmo e instrumentación de la canción. Más allá de estos componentes musicales, los compositores también deben abordar la escritura de letras. Si bien no existe un secreto unificador para escribir letras geniales, desarrollar un proceso de escritura puede mantenerte enfocado desde la primera línea hasta la última.
Acercarse a las aperturas de ajedrez puede ser una parte intimidante del aprendizaje del juego. Hay cientos de posibles aperturas y cientos de variaciones bien estudiadas basadas en esas aperturas. Entre estas miles de posibilidades, el Queen's Gambit es una de las aperturas más antiguas y conocidas, una utilizada con gran efecto por muchos grandes maestros desde el siglo XIX hasta la actualidad. También es una gran apertura para principiantes.
Un oído interno fuerte es esencial para comprender la composición musical, razón por la cual casi todas las escuelas de música requieren que los estudiantes tomen clases de entrenamiento auditivo. Los grandes músicos tienen habilidades auditivas avanzadas que mejoran la calidad de sus interpretaciones, y estas habilidades son fundamentales para los estudiantes de música o cualquier otra persona que quiera mejorar en la escucha, comprensión e interpretación musical.
El período romántico de la música clásica duró gran parte del siglo XIX. Cerró la brecha entre la música de la época clásica de Mozart y Haydn y la música del siglo XX. La música de la época romántica contribuye en gran medida al repertorio de las orquestas sinfónicas actuales.
La melodía es quizás el elemento más identificable de una composición musical. Puede ser un pasaje vocal conmovedor, un riff de guitarra rugiente o una ejecución rápida de saxofón. Las melodías pueden ser simples o complejas. Pueden ser independientes o trabajar junto con otras melodías en una composición más compleja.
La música instrumental consta de tres elementos principales: ritmo, melodía y armonía. El último de estos elementos, la armonía, se representa mediante acordes.
Un gran violinista debe acumular conocimientos en muchas disciplinas. La técnica de ejecución es obvia: los violinistas deben poder inclinarse, tocar y puntear las cuerdas de su instrumento de cualquier forma, desde la primera posición hasta la segunda, tercera y cuarta posición. El conocimiento de la gran literatura para violín es otro requisito. Desde Mozart, Beethoven y Brahms hasta Mark O’Connor y Jean-Luc Ponty, hay abundante música para violín en todos los géneros con los que se espera que los intérpretes estén familiarizados. También se requiere la capacidad de leer música en la clave de sol. Finalmente, y quizás lo más importante, los violinistas deben comprender su propio instrumento. Si bien existe todo un campo de profesionales que construyen, alteran y reparan violines (estas personas se conocen como luthiers), se espera que un músico realice un mantenimiento menor en su propio instrumento. También necesitará conocer las partes del instrumento para poder dialogar con un maestro, con otros intérpretes o con un director.
Escribir una canción requiere creatividad e inspiración. Pero con una sólida comprensión de los elementos básicos de la composición de canciones, puede componer una canción duradera y pegadiza.
La música de cine juega un papel crucial en el cine. Durante la era del cine mudo, las orquestaciones en vivo acompañaban las imágenes mudas en las salas de cine. Una vez que la tecnología permitió la adición de pistas de audio a los carretes de las películas, las partituras musicales se entrelazaron con las imágenes visuales de las películas.
En los primeros días de la guitarra eléctrica, solo había una forma de afectar su sonido: subir el volumen del amplificador hasta que comenzara a distorsionar. Más tarde, los amplificadores agregaron efectos como ecualizador, reverberación y trémolo, el último de los cuales a veces se etiqueta incorrectamente como vibrato. El verdadero vibrato implica cambiar ligeramente el tono de una nota sonada. Esto se capturó mejor con altavoces giratorios, como los fabricados por la corporación Leslie. Del efecto de vibrato surgió el efecto de coro.
La música consta de tres elementos principales: melodía, armonía y ritmo. (La música cantada agregará un cuarto elemento: la letra). Estos dos primeros elementos, melodía y armonía, se basan en la disposición de los tonos. Y, si bien estos dos componentes funcionan en conjunto, no deben confundirse entre sí.
De todas las exportaciones culturales de Argentina, pocas han tenido el impacto del tango argentino. Desde principios del siglo XX, el tango argentino y la tradición de la danza del tango se han extendido por América Latina, Europa, América del Norte y más allá para convertirse en un fenómeno de la música mundial.
La música consta de tres elementos principales: melodía, ritmo y armonía. Si bien los dos primeros son típicamente responsables de hacer que una pieza musical sea memorable, piense en el motivo de apertura de la Sinfonía n. ° 5 de Beethoven, o en el sintetizador de Timbaland en la canción de Jay-Z Dirt Off Your Shoulder, es el tercer elemento, la armonía, que puede elevar una pieza de común y predecible a desafiante y sofisticada.
Cuando los compositores y arreglistas quieren transmitir información rítmica a un músico sin hacer una recomendación específica de tono o timbre, a menudo utilizan notas fantasma.
La forma de sonata es un pilar de la teoría de la música clásica. Además de su conocida aplicación en sonatas para piano, la forma de sonata clásica ha guiado la construcción de muchas sinfonías, conciertos y cuartetos de cuerda.
Las primeras guitarras eléctricas fueron diseñadas para sonar limpias y brillantes. Guitarristas eléctricos pioneros como Charlie Christian tocaron en grandes orquestas de jazz y usaron amplificadores para tocar solos al estilo de los saxofonistas y trompetistas. Hasta el día de hoy, la mayoría de los músicos de jazz prefieren un sonido bastante limpio de su guitarra eléctrica. Pero los músicos de blues y rock lo ven de otra manera. A partir de la década de 1950, los músicos de esos géneros subirían sus amplificadores de guitarra al volumen máximo. Esto sirvió para sobrecargar los tubos de vacío que alimentaban los dispositivos. Produjo un alto nivel de saturación que rápidamente fue amado tanto por los jugadores como por el público. Y de ahí nació el término overdrive.
La música electrónica de baile ha crecido a pasos agigantados en el siglo XXI. Gracias a la llegada del software de estación de trabajo de audio digital (DAW), cualquier persona con una computadora hogareña confiable puede convertirse en un productor de EDM.