El arte óptico, una forma de arte abstracto, utiliza ilusiones ópticas para engañar al ojo del espectador para que perciba la ilusión de movimientos o patrones tridimensionales en sus imágenes.

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¿Qué es el arte óptico?

El arte óptico, comúnmente conocido como op art, es una forma de arte visual que utiliza patrones geométricos y colores no representativos para crear una ilusión de movimiento, como deformaciones, destellos o imágenes posteriores. En la forma de arte, que se remonta a principios del siglo XX, los artistas crean ilusiones aprovechando la conexión entre el ojo y el cerebro: la retina del ojo reconoce patrones, mientras que el cerebro da sentido a los patrones. Los artistas de la música pueden engañar al ojo y al cerebro con la yuxtaposición de patrones específicos en blanco y negro o combinaciones de colores que hacen que el espectador vea movimiento, imágenes residuales u otros efectos.

El op art está estrechamente relacionado con el arte abstracto y el arte cinético, formas de arte tridimensionales que involucran movimiento y trampantojo , que utiliza imágenes realistas para engañar al ojo para que las perciba como imágenes tridimensionales.

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Una breve historia del arte óptico

Los orígenes del op art se remontan a principios del siglo XX:

    Orígenes : Op art se originó en el Escuela Bauhaus en Alemania, donde el constructivismo (diseño formal utilizado para crear un efecto visual) era parte de su plan de estudios. Cuando la escuela cerró en 1933, muchos de sus profesores, como Josef Albers, continuaron enseñando y creando obras que se parecían al op art en los Estados Unidos. Al mismo tiempo, el pintor húngaro Victor Vasarely también estaba experimentando con carteles artísticos que empleaban trucos visuales, como en Cebras , su pintura de 1938 que presenta a dos cebras peleando sobre un fondo negro.
  • Éxito convencional
    • : En la década de 1950, el arte óptico en blanco y negro había comenzado a aparecer en exhibiciones en el Reino Unido, incluidas las primeras obras de Bridget Riley y los deslumbrantes paneles de John McHale. El término op art fue utilizado por primera vez por Hora revista, que lo empleó para describir una muestra de 1964 del pintor y grabador estadounidense Julian Stanczak. Al año siguiente, una exhibición llamada The Responsive Eye presentó obras de Riley, Vasarely y el artista venezolano Jesús Rafael Soto, entre otros, en el Museo de Arte Moderno (MOMA) de la ciudad de Nueva York. La muestra fue la mejor calificada y ayudó a elevar brevemente el op art en el campo del arte contemporáneo.
  • Disminución
    • : Este impulso resultó efímero y, a finales de los sesenta, la forma de arte fue eclipsada por el arte pop y otras formas. A pesar de este declive, se siguieron produciendo obras de arte, sobre todo en diseño gráfico para arte comercial, como carteles, portadas de álbumes y anuncios.
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3 Características del Op Art

Varias características distintivas definen las obras de arte op:

  1. Yuxtaposición de colores
    2. : Aunque los primeros creadores de op art usaban con frecuencia el blanco y negro en sus obras, la yuxtaposición de varios colores llegaría a caracterizar la forma de arte. A medida que la forma de arte creció en popularidad, los artistas de operaciones comenzaron a usar colores contrastantes para crear una calidad tridimensional única e incluso desorientadora para las ilusiones ópticas.
  2. Ilusión de movimiento
    3. : Los patrones que utilizan colores que son cromáticamente opuestos, también conocidos como colores complementarios, como el azul y el naranja o el rojo y el verde, se utilizan para crear la ilusión de movimiento e incluso imágenes residuales.
  3. Formas no objetivas
    4. : Las rayas suelen ser la imagen elegida por los artistas de operaciones que desean crear ilusiones ópticas, pero otras formas no objetivas se repiten en estas obras, como círculos, ondas y vórtices. Los artistas de la música usan formas repetitivas en patrones, como tableros de ajedrez o círculos concéntricos, para engañar al ojo y ver el movimiento.
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5 famosos artistas y obras de arte de Op Art

El movimiento de op art incluye muchos pintores, grabadores y artistas de otros medios. Estas son algunas de las figuras más conocidas del movimiento op art y sus obras más significativas:

  1. Víctor Vasarely
    2. : Ampliamente considerado como uno de los padres del op art, Vasarely fue un artista gráfico que produjo meticulosas obras geométricas que previeron el movimiento 30 años antes de que el término entrara en la conciencia pública. Su pintura de 1938 Cebras mostró la notable capacidad de crear una ilusión de movimiento a través de imágenes alternas en blanco y negro.
  2. Bridget Riley
    3. : Otra figura pionera en el op art, la artista británica Bridget Riley estaba fascinada por la forma en que los espectadores percibían las imágenes y creaba obras que podían abrumar con sus intensos patrones geométricos. Resplandor , de 1964, presenta un patrón en zigzag que sugiere un movimiento circular giratorio, profundidad y cambio de dirección dentro de la misma imagen.
  3. Richard Anuszkiewicz
    4. : El pintor y grabador estadounidense, que estudió con Josef Albers, empleó colores poderosos para explorar cómo la luz podría cambiar su apariencia y cómo los espectadores percibirían las formas geométricas en esos colores. Su Verde radiante (1964) presenta tres formas, dos cuadrados y un diamante, contra un campo de rayas blancas y de color alternas para sugerir un movimiento dinámico de cambio y dimensiones dentro de un marco estático.
  4. Carlos Cruz-Diez
    5. : Las pinturas e instalaciones de Cruz-Diez unieron el mundo del arte cinético y de las operaciones para explorar el color y el movimiento. La obra del artista venezolano abarcó pinturas, trabajos sobre aluminio, saturación de luz e incluso piezas de gran formato. Crear Barco deslumbrante (2014), Cruz-Diez envolvió todo un barco con un camuflaje deslumbrante para ampliar la comprensión de los espectadores sobre cómo la luz y el color se impactan entre sí.
  5. Julio Le Parc
    6. : Comenzó su carrera en su Argentina natal antes de mudarse a París en 1958, donde conoció a Vasarely y Cruz-Diez, entre otros. Le Parc ayudó a influir en los movimientos del arte óptico y el arte cinético con piezas como Tema transparente de Mobil (1960), que presentaba piezas de plexiglás conectadas en una forma que sugería fluir líquido y parecían moverse y cambiar según la posición y perspectiva del espectador.

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