Absurdo, colaborativo y vanguardista, el neo-dadaísmo revolucionó el mundo del arte en la década de 1950 y continúa impactando nuestra cultura en la actualidad.

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¿Qué es el neodadaísmo?

El neo-dadaísmo fue un movimiento de arte de vanguardia que comenzó a fines de la década de 1950. La crítica de arte Barbara Rose acuñó el término en referencia a las similitudes del movimiento con los dadaístas de principios del siglo XX. En contraste con la controversia intencional que definió el dadaísmo, el neo-dadaísmo fue algo más lúdico e irónico. Aunque ambos movimientos buscaron cerrar la brecha entre el arte y la vida real, los primeros dadaístas fueron más enfáticamente en contra del arte, destacando el sinsentido del mundo del arte en sus obras. El movimiento artístico neo-dadaísta contenía artistas dispares unidos por su celebración y burla simultáneas del comercialismo y la cultura popular.

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Una breve historia del arte Neo-Dada

El movimiento dadaísta original comenzó en Zúrich, Suiza, a mediados de la década de 1910 en respuesta a la Primera Guerra Mundial, la cultura burguesa y el surgimiento del nacionalismo. Uno de los artistas dadaístas más influyentes fue Marcel Duchamp, cuya controvertida escultura prefabricada Fuente (1917) contó con un urinario de porcelana. Décadas más tarde, en la década de 1950, un grupo de artistas estadounidenses revivió algunos de los principios dadaístas, desafiando las tendencias dominantes del expresionismo abstracto que artistas como Jackson Pollock y Willem de Kooning ayudaron a cultivar. Los neo-dadaístas desarrollaron nuevos estilos de vanguardia que allanaron el camino para el arte pop, Fluxus y Nouveau Réalisme.

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4 características del arte neo-dada

El neo-dadaísmo incorpora una amplia gama de estilos y formas de arte, pero hay algunas características consistentes en el movimiento.

  1. Un espíritu de colaboración
    2. : El movimiento artístico Neo-Dada fue muy colaborativo, reuniendo a bailarines, pintores, músicos, fotógrafos, cineastas y poetas. Este enfoque irrestricto permitió a los artistas trabajar libremente entre sí, a menudo reuniendo múltiples formas de arte diferentes para una sola pieza.
  2. Uso de contraste absurdo
    3. : Los neo-dadaístas a menudo emplearon el humor negro, la ironía y las tonterías para criticar la cultura de consumo del mundo moderno, así como el clima de la Guerra Fría en los Estados Unidos.
  3. Énfasis en la interpretación del espectador
    4. : El neo-dadaísmo enfatizó la interpretación del espectador sobre la intención del artista. Este estilo innovador marcó un alejamiento de las ideas previamente sostenidas en el arte moderno que valoraban la lógica, la razón y el significado.
  4. Experimentación con materiales
    5. : Los neo-dadaístas utilizaron objetos encontrados y materiales inesperados en sus obras de arte. Al utilizar elementos cotidianos e imágenes populares, el neo-dadaísmo desdibujó las líneas entre el arte alto y el arte bajo.

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Si está interesado en el neo-dadaísmo, explore las obras de estos influyentes artistas.

  1. Robert Rauschenberg
    2. : Robert Rauschenberg fue un pintor, escultor y artista gráfico que traspasó los límites artísticos a lo largo de su carrera. Su Pinturas Blancas (1951) fueron adiciones simples y sugerentes al expresionismo abstracto. A lo largo de finales de la década de 1950 y principios de la de 1960, Rauschenberg traspasó los límites de ese estilo utilizando objetos cotidianos en su arte, creando lo que denominó Combines, como su obra de arte. Rima (1956), que incorporó una corbata sobre un lienzo pintado. Sus pinturas de serigrafía como Retroactivo I (1963) utilizó fotografías e imágenes tomadas de la prensa.
  2. Jasper Johns
    3. : Después de servir en el ejército, Jasper Johns se hizo amigo de Robert Rauschenberg, el compositor de vanguardia John Cage y la coreógrafa Merce Cunningham. En 1954, a la edad de 24 años, Johns comenzó a trabajar en una pintura de cera caliente llamada Bandera , con una reproducción de la bandera estadounidense, que finalmente vendió al Museo de Arte Moderno. Rauschenberg se sumergió más profundamente en la reinvención de objetos cotidianos con pinturas como Objetivo con cuatro caras (1955) y Mapa (1961). Su Bronce pintado (1960) era una escultura de latas de cerveza vacías. Las obras de arte innovadoras de Johns alentaron a los espectadores a repensar su concepto de arte, preparando el escenario para nuevos movimientos como el arte pop y el minimalismo.
  3. Merce Cunningham Merce Cunningham, una innovadora coreógrafa de Neo-Dada, estuvo a la vanguardia del mundo de la danza estadounidense durante más de 50 años. A los veinte años, Cunningham estudió en Martha Graham Dance Company. En 1953, se había aventurado por su cuenta, comenzando la Merce Cunningham Dance Company. Durante las décadas de 1950 y 1960, Cunningham colaboró ​​con otros artistas de renombre como el compositor John Cage, Robert Rauschenberg, Andy Warhol y Roy Lichtenstein. Desarrolló un estilo de coreografía influenciado por ideas sobre el azar y la suerte, como se evidencia en Dieciséis danzas para solista y compañía de tres (1951) y Suite by Chance (1953).
  4. John Cage
    5. : Uno de los compositores más originales del siglo XX, John Cage exploró el sonido con su uso de instrumentos no convencionales y elementos multimedia. A menudo colaboró ​​con otros neo-dadaístas, incluida su pareja creativa y romántica Merce Cunningham. Composición de la jaula 4′33″ (1952) implicó a sus músicos e intérpretes permanecer en silencio durante la duración de la pieza, cuatro minutos y 33 segundos completos. Su enfoque de la música que invita a la reflexión impactó el mundo del arte durante la década de 1950 y las décadas siguientes.
  5. Allan Kaprow
    6. : Un pionero del arte de performance, Allan Kaprow estaba más interesado en el proceso de hacer arte que en la obra de arte en sí. Nacido en Atlantic City en 1927, Kaprow se mudó a la ciudad de Nueva York en su adolescencia para estudiar arte y pintura. Después de asistir a una clase impartida por John Cage, Kaprow se alejó de las formas tradicionales, centrándose en cambio en las filosofías sobre el proceso de hacer arte, y finalmente desarrolló la idea de Happenings, un tipo de arte escénico que difumina las líneas entre el artista y el espectador. También trabajó con el ensamblaje de materiales cotidianos en un contexto único, como con Palabras (1962), que contó con dos salas llenas de discos y carteles escritos. Animó a la audiencia a interactuar y agregar a la instalación.
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